许宏宇老师工作照

 

　　经验可以用来分享学习，许宏宇老师谈了很多他作为一个剪辑师如何去工作的各种细节，如何安排拍摄现场的剪辑人员，如何和导演沟通，如何去处理节奏、安排素材，在剪辑上怎么利用音乐、音效，全篇干货，不管你是想要从事剪辑行业的，还是在影视行业其他从业者，这篇文章都建议仔细观看，这里有你需要的。

 

 

许宏宇：现场剪辑其实有两个目的：第一个目的是满足导演在现场的思维，比如说他设计的动作是不是能完成，或者是这个形式能不能呈现他的想法，所以有一部分的现场剪辑工作是帮导演。另外一部分，我们也是需要在现有的东西里看看有没有别的可能性出来。之前我在好莱坞工作的时候，有学习他们的剪辑团队是怎么工作的，所以最近这三年来我都是以团队的形式来工作，在国内大部分的剪辑工作都是单独一个人，或者搭配一个助理。但是现在随着数字化的发展，拍摄的素材越来越多，还要满足各种需求，一个人完成不了这么多的事情，所以我就变成了一个团队形式。我们会在片场有一个现场剪辑，需要的时候还会搭配两个助理，这样剪辑团队里有一部分人完全是为了完成导演的思维来服务，另外一边，我们也可以开始我们的创作。

 

 

许宏宇：跟导演合作，要先了解导演这个戏想表达什么，其次要了解演员的表演状态。我在剪《武侠》的时候，剧组开机第一天就是拍《武侠》的开场戏，戏里有一段是汤唯、甄子丹睡醒洗脸，这场戏差不多拍了有七八条洗毛巾的动作，中间有一条是NG的，汤唯把毛巾拿起来拧干，人好像没睡醒的样子，毛巾又掉到了水盆里。最后剪辑的时候我选用了NG的这一条，我是在现场剪辑的时候就放进去了，第二天给导演、演员看，他们就觉得这个人需要的就是这种质感，在阿玉的生活里，不是所有东西都要做的很精准，甄子丹之所以留在这里就是想过一个很简单的生活，这个动作就能表现出这个氛围，另外这对我来讲又很接近我的生活，这很像我们自己有时候朦朦胧胧还没完全睡醒发生的动作，虽然它是古装片，但是生活细节跟我们是一样的。所以说跟导演的沟通有时候是双向的，有时候我们想的一些东西，可能是合适的，也可能是不合适的，只能剪辑师主动去尝试，这样导演才能去判断，只有这样我们才会发挥作用。剪辑靠说是没有用的，用眼睛看的感受才是最准确的，所以一般跟导演拍几场戏磨合了之后才能有默契，我现在和陈可辛导演、黄建新导演合作的比较长，所以每一个戏基本上都不用太多的沟通。

 

 

许宏宇：节奏感这个东西比较虚，电影有很多元素构成，所以它有很多方面。我认为其实更多应该考虑的是情感的节奏。比如在剪《夏洛特烦恼》的时候，我们看到这部片子的时候，它的笑点都已经在了，看到它我们也是会笑的，但是我们还是需要重新去解构，因为它节奏是断的，可能有时候想让你笑，可是刚刚到那一点就没出来，哭也一样，你怎么牵着观众的情绪来走，我觉得这个是更重要的节奏。对于画面、对白的节奏都是次要的，因为那些都是为了情感服务，电影是以讲故事、表达情绪为核心的，所以常说的“这个电影太慢，要剪快一点”，并不是说从这个镜头拿走一秒，节奏就快了。节奏有快的地方，也有慢的地方，像能量的变化，怎么把这个能量凝聚，用什么方法一下子给到观众，或者是分开一层一层的给到观众，这才是调节节奏。

 

 

许宏宇：包袱它不是靠剪出来的，这些是导演、编剧、还有演员的功劳。《夏洛特》的喜剧点或者是这部戏，并不是靠电影画面去传达情绪，它更多的是靠对白的形式，我们做的工作只是让这个人的情绪，他的故事更立得住。比如电影一开始，夏洛是一个不满现状但又装的一个人，怎么把这个东西强化？穿越了以后，怎么一层一层的接受这个现实？然后怎么再慢慢发现马冬梅一直在他身边，觉得很爱他？我们更多是帮助导演完成这方面的线，喜剧点在这个戏里反而是一直存在的，甚至有一些是过多的，所以在剪的时候也是跟导演更多在这条线上找一个平衡。有些片段单独来看也是很好笑的东西，但是我们在电影里拿走了，后来做了一些删减片段，也是这个原因。

 

 

许宏宇：像《夏洛特烦恼》这类型的电影，我们会以更简单的表现方法来呈现，剪辑是给观众呈现好看的东西，这部戏最好看的东西就是演员的表演和对白，我们在调的时候是令对话呈现简单化，就是你一句我一句的形式，不会有太多的转换，在结构上可能会稍微有一些调整。比如说像电影的开头，现在的开头是调过的，一开始沈腾一直在混乱中跑来跑去，然后我们才闪回，半个小时或者几个小时前发生了什么事情，电影本来其实是一个顺序的，顺序的也可以，只不过它不够好玩儿，而且它用了一些时间才进入这个主角的状态，我觉得倒不如一开始翻天覆地，一个男演员在他初恋情人的婚跑来跑去礼，这样先把观众给扣住，然后回去讲什么事情。我们在帮助导演去修这个片子，更多是在一些小点上面，叙事方法稍微调一调，令它更活泼，电影本身是活泼的一个过程，如果按照舞台剧的方式表现，我觉得不够，我们这样摆一摆，感觉有一些生动起来的感受，所以更多是这些方面去调动。

 

 

许宏宇：其实演员还是要贴近他的个性。我觉得做电影不论在任何一个岗位，都要懂这个戏，要明白里头的每一件事、每一个人物在那一瞬间的心态，这对我来讲是比较振奋的。我参与陈可辛导演《投名状》的时候，戏中刘德华跟徐静蕾是夫妻，但徐静蕾跟李连杰又是有奸情的，有一场在战壕里的戏，徐静蕾突然出现在战壕，其实她是想来看李连杰的，这时候我们就要进去李连杰的心态，他是一个大哥也是一个将军，但是他在面对这段情感的时候，还是要回到跟平常人是一样的状态。第二天他们就要面临一个很大的战争，在前一晚见到自己心爱的女人，那他的心态是怎么样？拍这段的时候有一个镜头是反了轴的，我就把那个反轴的镜头剪上去了，因为突然反了一下，所以看上很强烈的，画面上瞬间能感受到这个人是180度的转变，看片的时候我告诉他们我的意图，最后陈可辛导演说这样好。所以说剪辑的前提还是先进去这个人物。

 

演员的表演很重要，但是也是跟镜头有关系的，镜头把演员的这一瞬间抓下来，其实有时候就有几秒或者几格的瞬间，那剪辑师怎么去把握这些瞬间，包括这些眼神？在剪辑《亲爱的》时候，赵薇的表演非常非常好，可是我们要怎么把她给呈现出来？比如说赵薇这个角色被抓了之后在警察局，她的那种心情，眼神，我们是一个一个找出来的来，在一些是在NG条，有些是在开机前，所以我觉得对于演员每一场戏有百分之百的了解，进入到这些人物在里头，而且明白这场戏在宏观下是要给观众一个什么感受。演员的表演、机器的镜头，包括所有的元素都是综合的，没有一个东西是独立的，当然观众都是要看着演员，但是你选对了这些演员的表演，放在了不对的时候或者是不对的景别，那是没用的，所以必须是一个整体的考虑。

 

 

许宏宇：所以说要团队形式来进行，一个人是做不完的。一场戏真的是海量素材的时候，在现场如果这场戏要着急剪，那我们可能会先看头几条或者是尾几条，或者是导演留的条这样做一个粗剪，当我们回到剪辑室了，这时候有更多时间了，在这个过程中我们再把素材翻一遍，也就是我们剪完一遍，然后再一条一条的去翻素材来看，看有没有别的可能性，这是一种。

 

第二种方法，我们有十来个剪辑师，都有不同的背景，偏好都有不同，有时候我们会故意搭配完全不同思维的人来完成一部戏，完全换一种思维来做这也是一种碰撞。还有，在素材管理上面我们有一个很详细的素材管理，这也是我们经常用Avid的原因，我们尽量把特写镜头整理一条时间线，或者是我们会剪到一段戏，这段戏非常重要，有一些对话拍了非常多的条，可能我们会做这一句话，Avid是可以这样做到的，把有这句话的镜头全部列出来，我们用系统化来去修，也有一些戏，比如说我们调一个戏的时候，它更结构性，可能中间有三个时代的穿插，拍完之后除了以剧本的形式来分之后，我们可能还会以剪辑的思维，先把这个空间所有的戏拉出来，变成三个空间的三条时间线，单独再看一遍是怎么样的，再去看看这条线有没有别的可能性，所以剪辑到了更多像解构的过程，按照剧本剪辑完了，我们再去解构它，用各种方式来解构之后，肯定会有一些新的创作灵感出现。

 

 

许宏宇：他们需要检查到所有素材都在，当我们看这些素材的时候，需要永远有一条时间线，因为剪辑需要一条一条素材拼，我要求他们一定要放在一条时间线上面。时间线对剪辑来讲是视觉的东西，他放在这条时间线上，然后可能是每一个镜头会稍微隔开一点，这样一下就会看到有多少的东西、多少的量，这个和对保证所有的条都百分之百在这了非常重要。还有剪辑如果不是着急要给现场的时候，我们所有的这些素材都会过一遍，看得时候，我会打很多很多的点，有时候是演员的一个眼神，做记号的时候其实也不知道会有什么用，但是可能觉得这个里头是有一些表达的，哪怕是一句叹气，或者这句话讲的特别好，或者有不同高低的表演方式，我都会打上点，做一些标注，助理在这个时候的工作量就比较大了，他得整理出来，比如现在针对赵薇的表演，这些条可能都是赵薇的表演，一些碎的眼神、碎的镜头都放在这，所以他们在整理的过程会复杂一点。

 

 

许宏宇：我本身不是学传统电影的，更多在学现代艺术，当时我们学校看的电影都挺反好莱坞的，接触的全都是一些实验性的东西，实验性的电影跟主流电影最大的区别是什么？就是它们会研究这个媒体。这些电影作家们，他们会研究电影本身能做些什么，包括声音在电影里面能呈现什么效果。单独的画面又能呈现什么？这种研究抛开了叙事，去把电影的本质，音乐怎么利用，声音怎么利用等等这些东西解构出来。举个例子，《杀死比尔》有一场戏，有人被关在后备厢里头，画面是黑场，但是一直有对话和呼吸的声音，这场戏黑场有一分钟，看的时候觉得很震撼。其实在电影的规格里头，演员的表演、镜头，其实都是一些很关键的元素，作为剪辑对每一个项目都要非常非常的了解，而且要懂得去利用。所以当我们去剪的时候，并不是说只是为了技术，为了看的兴奋一点，就把动效加上去。而且音效它需要更长的画面来承载，这样才能体现出想要的声音效果，所以我们基本上所有的片子，可能在粗剪以后，开始精简的时候，已经会把一些效果声音加上去，有时候我们也会自己去制造一些，有可能事我们幻想中的声音效果，成龙的《绝地逃亡》有一个很简单的例子，成龙大哥到了内蒙不会说话，买一个破车，镜头前面有一个公鸡走来走去的，如果不处理这些鸡的时候，其实它没什么好笑，但是当他们对话沟通不上了，停下来，刚好有远景，这时鸡走过，这个镜头没放鸡的声音其实没那么好笑，当放了这个镜头，加上这只鸡咯咯的走过去，那这场戏的节奏就在了，在两个人的对话当中，两个人无语了，就用这些声音来替代。这样其实是帮助剪辑师来完成这个电影的一个空间和戏剧的建造。

 

 

许宏宇：这样的话需要剪辑需要再调的，在《建党伟业》的时候，我和声音设计王丹戎老师合作，有一场战争的戏，他做了一个音效之后，这个声音效果在战场很震撼，真的像发生在身边的一个爆破，但是对我来讲画面剪的不够，我们必须调画面。其实在混录的时候调画面是很大的问题，但是管不了那么多了。在剪辑的很多时候都说要锁片子了，锁定画面做后期，做各种东西，但是有些时候还会再变的。各部门他们创作的过程中，需要画面来配合的时候，剪辑还会再变动。包括其他部门做完如果有更大的空间，其实我们还需要调整。

 

 

许宏宇：对！我们对于替代音乐很注重的，这个要非常小心，不能随便来选。选替代音乐的时候更多是根据对导演和剧本的了解，同时剪辑师需要有一定的音乐熏陶才行，完全不懂音乐，没有音乐感受的人，相对的比较难成为一个好的剪辑师。音乐很关键，剪辑并不是说贴上音乐，跟着音乐剪，音乐是帮你提高情绪。然后我们在剪辑参考音乐的时候需要花很多的时间，包括有一两个剪辑专门有时候给我们剪辑这些替代的音乐片段。但是剪辑也不要被音乐绑死，我觉得是要分开的，有时候剪完这个音乐片段，我们会把音乐关掉，只看画面，有时候我也会把画面关掉，只听这个声音节奏是不是对的。

 

 

许宏宇：我们平常剪的时候是一个27寸的显示器，我会靠的比较近一点。其实香港剪辑的前辈们，他们会跟找一个东西跟屏幕做比例（屏幕前放一根烟或者粉笔），通过东西的参考，去判断在大屏幕的时候是什么样的感受，这是粗剪的过程。但是每剪完一版，我们都会用大屏幕真正的去看一下。

问：这两年这个行业发展比较快，要做剪辑师的话，你有没有什么建议？ 

 

许宏宇：影视行业的门槛越来越低，现在拍电影也没那么神秘了，在过去的胶片时代要很高的技术，一个人不可能的随便的去做，但是现在变成数字以后，大家都可以去做。其实有纸有笔也很长时间了，但又有多少个作家呢？这也是一个关键。我觉得能成为剪辑人，首先要有工匠精神。比如说一块木头，大家拿到了，为什么有人能雕刻的很完美，这里不只是一个技巧的问题，因为他是用心去做的。这些在日本来讲，所谓的工匠精神就是你怎么尊重这个东西，在剪一个片子的时候，你所有的重心就要围绕这个东西，要把握住每一个细节，让它更精准，电影不会有完成的那一瞬间，这也是剪辑最苦的一个过程。你每花多一点时间，这个东西就会更好，但是也有可能花上十天，一场戏只有一秒钟好了一点点，但这就是大家该做的工作，不能把这些东西放弃了。导演、演员、摄像师在现场，那么辛苦把这些素材记录下来，你一瞬间觉得不重要就不看了，这是对不起所有在前面认真创作人的状态。所以我觉得想做一个电影的剪辑师，第一个条件就是对于自我的要求一定要非常高。对于这个行业的技术或者是工匠的精神一定要接受，在电影面前，大家都要很谦虚的面对这些素材，对于一个电影从业人员，特别是剪辑师，这个是最关键的，软件谁都学的会，有一种恭敬的心才是最重要的。

 

 

许宏宇：不停的看电影，我每天看一部电影。包括一些非常流行的网剧或者有意思的视频都会看。有的时候也会试着做下，当然这些不一定是适合电影的方法，但是会在这中间找到一些新鲜感，影片是要面对观众的，所以要知道观众的习惯。还有就是看一些周围的人是怎么做东西的，国内国外的都有，比如说《乔布斯传》他有不一样的剪法，前几年的《社交网络》，又是另外的剪辑方式，保持自己一定要打开眼界。但是也有回去看老的片子，我觉得一定要有一个平衡，还是要保持对电影的钻劲，去感受里头的人物，可能有些电影并不是剪辑有多重要，它可能是用隐形剪辑的方式，但是剪辑师需要留意那些人物呈现的表现。另外就是观察生活，平常坐地铁或者是在街上，留意旁边桌子的人怎么说话，一些细节都很重要。电影不能抛开这些东西，不要觉得这个只是导演或者编剧的工作，剪辑师也非常重要，像《武侠》里汤唯拧毛巾这个镜头，可能就很像早上女朋友起床的状态，觉得这个东西跟自己有关系，才会记录在脑子里面，所以创作是脱离不开生活的。